Freitag, 25. November 2016

FANTASTIC BEASTS AND WHERE TO FIND THEM (Yates, 2016): Audience Surrogate

Just when I was convinced that Spielberg exhausted the concept of an "audience surrogate who is not the protagonist" with Short Round in INDIANA JONES AND THE TEMPLE OF DOOM (1984), J.K. Rowling enters the game with No-Maj Kowalski in the first FANTASTIC BEASTS movie to the point where spectators start to question if he was supposed to be the protagonist of this new New York saga which he most certainly is not. But anyway, for muggles new to the Rowling universe, wide-eyed Dan Fogler serves both as comic relief and an American everyman audience surrogate.

Gerade als ich überzeugt war, dass Spielberg das Konzept des Publikumsstellvertreters, der nicht Hauptfigur ist, mit Shorty in INDIANA JONES AND THE TEMPLE OF DOOM (1984) definitiv auf die Spitze getrieben hat, geht J.K.Rowling mit dem No-Maj Kowalski in FANTASTIC BEASTS soweit, dass sich einige Zuschauer fragen, wer denn jetzt eigentlich der Protagonist dieser neuen New York Saga sei. Auf jeden Fall erfüllt der Dan Fogler mit seinen Kulleraugen sowohl die Funktion des Comic Relief als auch des Publikumsstellvertreters als amerikanischer Durchschnittsbürger.

Dan Fogler (left) in FANTASTIC BEASTS AND WHERE TO FIND THEM (2016)
Johnathan Ke Quan as Short Round in TEMPLE OF DOOM (1984)
Alfred Molina as one of several audience surrogates in RAIDERS OF THE LOST ARK (Spielberg, 1981)

ED WOOD (Burton, 1994): "you must be double-jointed!"

For theater and big screen actors, hands are as important a tool as their face. Tim Burton seems to emphasize that aspect in his expressionist staging of ED WOOD, his gentle take on the friendship of enthusiastic dilettante Edward D. Wood and has-been-Dracula Bela Lugosi. In one scene, Wood even asks Lugosi (lovingly impersonated by Martin Landau), how he did his otherworldly Dracula-thing with his fingers, to which Lugosi replies that "you must be double-jointed. And you must be Hungarian".

Für Theater- und Filmschauspieler sind die Hände ein ebenso wichtiges Ausdrucksmittel wie das Gesicht. Tim Burton scheint diesen Aspekt mit seiner expressionistischen Inszenierung von ED WOOD, seiner liebevollen Verfilmung der Freundschaft des enthusiastischen Dilettanten Edward D. Wood und dem abgehalfterten Dracula-Darsteller Bela Lugosi, besonders zu betonen. Einmal fragt Wood den von Martin Landau gespielten Lugosi sogar direkt, wie er denn diese übernatürlich wirkende Dracula-Handbewegung hinkriege, worauf Lugosi antwortet, dass man dazu "sehr gelenkig und Ungar sein müsse".

[RV]

 

Freitag, 18. November 2016

ONIBABA (Shindo, 1964): Wind [Post No.100!]


Shindo Kaneto's independently produced "modern parable" ONIBABA (THE DEMONESS) is mostly taking place "within a claustrophobic sea of grass" (quote from the Masters of Cinema blu-ray cover). And this sea of grass seems to be alive because of a constantly blowing wind. A very oppressive, strange but strangely beautiful film indeed.

Shindo Kanetos unabhängig produzierte Parabel ONIBABA (Die Dämonin) spielt grösstenteils in einem "klaustrophobischen Meer aus Gras", wie es auf der Blu-ray von Masters of Cinema treffend heisst. Lebendig erscheint dieses Meer aus Gras dank dem konstant wehenden Wind. Ein beklemmender, eigenartiger aber auch eigentartig schöner Film.

[RV] (not for everyone, though)



THE QUIET MAN (Ford, 1952): Wind

The exteriors of John Ford's THE QUIET MAN were largely shot on location in Ireland (in glaring contrast to the unconvincing studio sets for some of the horse race scenes) and sometimes under harsh conditions. The wind particularly adds to the realism and works quite well as a metaphor for heightened perception and inner turmoil, of course. The wind during the stormy kissing scene that Spielberg borrowed so memorably for E.T. (1982) is probably all smoke and mirrors (aka wind machines), though.

Die Aussenszenen von Fords THE QUIET MAN wurden grösstenteils unter nicht immer einfachen Wetterbedingungen wirklich in Irland gedreht (im Gegensatz zu den unsäglichen Studiosets für einige Szenen während des Pferderennens). Speziell der Wind trägt viel zum Realismus bei und funktioniert natürlich gut als Metapher für intensivere Wahrnehmung und innere Aufgewühltheit. Der Wind während der stürmischen Kussszene, die Spielberg so einprägsam für E.T. (1982) verwendete, ist hingegen wohl eher Schall und Rauch aus der Windmaschine.

[RV] 

Apparently, Maureen O'Hara went through a lot on the sets of this film.

Freitag, 11. November 2016

FRANTZ (Ozon, 2016): Subliminal Color Changes

The less one knows about François Ozon's brilliant black and white movie FRANTZ the better its twists and turns work. It is safe to say, however, that the film makes use of color in connection with flashbacks in a simple but unexpectedly subtle way.

Je weniger man über François Ozons starken Schwarzweissfilm FRANTZ weiss, desto stärken wirken die überraschenden Wendungen. Nur soviel: der Film setzt Farbe im Zusammenhang mit Flashbacks in einer einfachen aber überraschend subtilen Weise ein. 

[MS]

While the promotional materials strictly showcase the films gorgeous black and white photography, colors are not completely absent.

FINSTERES GLÜCK (Haupt, 2016): the power of "tell, don't show"

Stefan Haupt's upcoming literature adaptation FINSTERES GLÜCK is about a middle-aged hospital psychologist who is assigned to help a boy cope with the fact that he lost his family in a car accident. It contains at least one great example of "tell, don't show" in which a character's retelling of a traumatic experience is not visualized through flashback images. This usually reminds me that our imagination conjures up the most powerful images. Besides, we get to see the facial expression of the person who speaks.

Stefan Haupts kommende Literaturverfilmung FINSTERES GLÜCK handelt von einer Spitalpsychologin mittleren Alters, die einem kleinen Jungen helfen soll, damit umzugehen, dass seine ganze Familie in einem Autounfall ums Leben gekommen ist. Der Film enthält mindestens ein starkes Beispiel von "tell, don't show", wo die Nacherzählung einer traumatischen Begebenheit nicht durch Rückblendenbilder visualisiert wird. In solchen Momenten produziert unsere Vorstellungskraft die stärksten Bilder. Zudem können wir den Gesichtsausdruck der erzählenden Person beobachten.

[RV] 

Freitag, 4. November 2016

KISS ME DEADLY (Aldrich, 1955): Camera and Lights, Please!

Like Sam Fuller, Robert Aldrich is a B-movie genre filmmaker whose movies brim over with cinematic style and invention. In KISS ME DEADLY, he achieved a quintessentially lush noir lighting and camera style (cinematography by Ernest Laszlo) within a ridiculously short shooting schedule. There is every effective expressionist technique from creepy underlighting to dramatic wide angles and dutch tilts. In the drug scenes he wisely refrains from distorted flashback imagery, though.

Wie Sam Fuller ist auch Robert Aldrich ein B-Movie-Genre-Filmemacher, dessen Werke von visuellem Stil und Erfindungsgeist nur so strotzen. In KISS ME DEADLY gelingt ihm eine Art Quintessenz aufwändiger Film Noir Beleuchtung und Bildkompositionen (Kamera: Ernest Laszlo) innerhalb eines extrem engen Produktionszeitplans: von Underlighting bis zu dramatischen Weitwinkel- und Tilt-Bildern finden sich alle expressionistischen Techniken. Einzig von visuell verzerrten Flashbacks in den Drogenszenen lässt er wohlweislich die Finger.

[RV]

Ernest Laszlo certainly knew his expressionist angles...

...as well as lighting techniques.

KISS ME DEADLY (Aldrich, 1955): Source Music

Robert Aldrich's richly textured film noir KISS ME DEADLY is interesting in many ways beyond its fresh approach to the amoral private dick Mike Hammer. It contains quite an extraordinary sound track, for example. In several scenes, ambient sounds like crashing waves or radio transmissions assume the function of background music. There is an original score, of course. But the filmmakers mainly rely on source music (car-radios, live singers, record players) for the musical accompaniment.

Robert Aldrichs reichhaltiger Film Noir KISS ME DEADLY ist auch jenseits vom neuartigen Zugriff auf den unmoralischen Protagonisten Mike Hammer in verschiedener Hinsicht interessant. Da ist zum Beispiel die Tonspur: in mehreren Szenen übernehmen Atmo-Geräusche von Wellen oder Radioübertragungen die Funktion der klassischen Filmmusik. Einen Score gibt es zwar schon, die Filmemacher verwenden jedoch hauptsächlich diegetische Musik (Autoradios, Live-Gesang, Plattenspieler) als musikalische Untermalung.

[RV]

Ernest Laszlo knew how to light a beautiful singer (top); Mike Hammer is about to commit a sin in any music lover's eyes.