Freitag, 19. August 2016

PRIDE & PREJUDICE (Wright, 2005): Long Travellings

In the wake of Brian De Palma's and Martin Scorsese's films, the long travelling take (not to be confused with the sustained long shot of actors moving around within the frame or even a "plan sequence") has become increasingly popular. Joe Wright seems to be particularly partial to it up to the point where it feels forced like in ATONEMENT (2007). In Wright's magnificent version of PRIDE & PREJUDICE, however, the many long tracking shots feel completely organic and do not draw attention to themselves.

Im Gefolge der Filme von DePalma und Scorsese ist die lange Kamerafahrt (nicht mit statischen langen Einstellungen von Figuren, die sich innerhalb des Bildes bewegen, oder gar Plansequenzen zu verwechseln) zunehmend beliebt geworden. Joe Wright scheint eine besondere Vorliebe für solche Fahrten zu haben, die bisweilen auch aufgesetzt wirken wie beispielsweise in ATONEMENT (2007). In seiner grossartigen Verfilmung von PRIDE & PREJUDICE wirken die vielen langen Kamerafahrten jedoch völlig organisch und ziehen keine Aufmerksamkeit auf sich.

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The first long traveling shot during the exposition (1:26 minutes)

PRIDE & PREJUDICE (Wright, 2005): Group tableaux

In PRIDE & PREJUDICE, Joe Wright often stages the members of the large Bennet family in carefully composed long shots that allow us to see reactions on several different faces at the same time. This is especially noteworthy, since this standard practice of the classical Hollywood fell out of favor with directors (and audiences) when intensified continuity (editing together many short clips of close ups) established itself as the predominant visual concept.

In PRIDE & PREJUDICE arrangiert Joe Wright die Mitglieder der grossen Bennetfamilie oft in sorgfältig komponierten Totalen, die uns Reaktionen auf mehrern Gesichtern zur gleichen Zeit sehen lassen. Das ist deshalb bemerkenswert, weil diese einst normale Praxis bei den meisten Filmemachern (und damit auch beim Publikum) in Ungnade gefallen ist, seit sich "intensified continuity" (das exzessive Zusammenschneiden von mehr kürzeren Nahaufnahmen) als vorherrschendes visuelles Konzept etabliert hat.

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Freitag, 12. August 2016

RAN (Kurosawa, 1985): Sustained telephoto long shots

Kurosawa's RAN, his epic version of Shakespeare's "King Lear" transplanted to 16th century Japan, like its predecessor KAGEMUSHA (1980) is full of flat compositions evocative of graphic woodblock prints. Although at 75, he was still a master of tightly edited action sequences, most scenes play out in long shot. He does not shy away from sustained two shots or even groups in extreme long shots photographed from far away with flattening telephoto lenses.

Kurosawas RAN, eine epische, ins Japan des 16. Jahrhunderts verpflanzte Version von Shakespeares "King Lear", ist ähnlich wie der Vorgänger KAGEMUSHA (1980) voller flacher Bildkompositionen, die an graphische Stiche erinnern. Obwohl er auch mit 75 noch straff geschnittene Actionsequenzen inszenierte, spielen sich die meisten Szenen in Totalen ab. Er scheut sich nicht, Zweier- oder Gruppenaufnahmen, die mit dem Teleobjektiv aus weiter Ferne aufgenommenen extremen Totalen über längere Zeit zu halten.


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RAN (Kurosawa, 1985): Costumes and Colors

Like KAGEMUSHA (1980), Kurosawa's RAN has brightly colored fabrics and costumes in abundance. The protagonist's three son and their respective armies are distinguished by primary colors red, blue and yellow, while the other characters wear more or less subdued colors or patterns depending on their importance and role within the overall drama.

Wie in KAGEMUSHA (1980) gibt es in Kurosawas RAN stark farbige Stoffe und Kostüme in Hülle und Fülle. Die drei Söhne des Protagonisten sowie ihre jeweiligen Armeen sind dank den Primärfarben rot, blau und gelb auch in den Totalen unterscheidbar. Die andern Figuren tragen mehr oder weniger zurückgenommene Farben oder Muster, je nach Wichtigkeit und dramaturgischer Rolle.

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Freitag, 5. August 2016

ACE IN THE HOLE (Wilder, 1951): Hold a long shot as long as possible

Classical Hollywood comedies usually move at a break-neck pace despite a rather slow editing rhythm. The speed is all in the dialogue and performances. Billy Wilder's acid-tongued satire ACE IN THE HOLE (1951) even has an average shot length (ASL) of 17 seconds per shot according to the Cinemetrics Database. This does not come as a surprise, because Wilder often stages his scenes dynamically and in depth so that the actors perform with their whole body and move around at least as much as the camera. Because these group shots enable us to see reactions on a lot of faces in the fore- and background, he can sustain his shots for a long time. In fact, ACE IN THE HOLE feels as if the filmmakers knew exactly how long to hold a shot until a different angle becomes unavoidable - which is most often shortly before we would consciously notice the long take.

Komödien des klassischen Hollywood bewegen sich normalerweise mit einem horrenden Tempo vorwärts, sind jedoch oft ziemlich "langsam" geschnitten nach heutigen Massstäben. Der Schwung kommt von Dialog und Schauspiel. Billy Wilders bissige Satire ACE IN THE HOLE (1951) weist gemäss der Cinemetrics Database eine durchschnittliche Einstellungslänge von 17 Sekunden auf. Das erstaunt insofern nicht, als dass Wilder seine Szenen oft dynamisch und in der Tiefe inszeniert, so dass die Darsteller mit ihrem ganzen Körper spielen und sich mindestens soviel innerhalb des Bildes bewegen wie die Kamera. Weil diese Gruppentotalen uns erlauben, Reaktionen auf vielen Gesichtern im Vorder- und Hintergrund zu sehen, kann er die Einstellungen lange halten. ACE IN THE HOLE wirkt gar, als wüssten die Filmemacher genau, wie man eine Einstellung solange hält, bis der Schnitt zwingend ist - meistens kurz bevor die lange Einstellung bewusst aufgefallen wäre.


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Staging groups in deep focus and crammed medium long shots.

ACE IN THE HOLE (Wilder, 1951): Underlighting

The McGuffin of Billy Wilder's ACE IN THE HOLE is a man called Leo who is trapped in an underground cave allegedly haunted by some spirits. Whenever the cynical reporter played by Kirk Douglas crawls down to see him, the faces are underlit by flashlights like in a Universal horror movie of the 1930s.

Der Aufhänger von Billy Wilders ACE IN THE HOLE ist ein Mann namens Leo, der in einer halbeingestürzten Höhle feststeckt, die angeblich verflucht ist. Jedesmal wenn der zynische, von Kirk Douglas gespielte Reporter zu ihm hinunterkriecht, werden die Gesichter von den Taschenlampen unten beleuchtet wie in einem Universal Horrorfilm der Dreissigerjahre.

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Freitag, 29. Juli 2016

TONI ERDMANN (Ade, 2016): Singing

If Maren Ade's brilliant Cannes '16 favorite TONI ERDMANN had to be summed up in one word, that had to be unpredictable. Even though the trailer seems to give away a lot, it turns out, the basic premise of a complicated father-daughter relationship with the father pretending to be someone else is just a pretext for an investigation into the human condition and some of the most funny situations I have seen in a "serious" comedy for a long time. Absurdly funny situations, not gags or pratfalls. Real comedy, not practical jokes. Although Toni is actually all about practical jokes. Sort of. This is no movie for people with short attention spans, but because of its inherently slow rhythm, at 162 minutes it is not one minute too long. But I digress... TONI ERDMANN is one of those movies where a character unexpectedly starts to sing a whole song "live" on camera, meaning there is no non-diegetic music, just source music (which can, of course, be fake like the piano performance in VICTORIA (2015), for example) and in this case, what we hear is most certainly the production track. So no more spoilers, go see it, as soon as it is released in your country!

Wenn man Maren Ades grossartigen Cannes-Favoriten TONI ERDMANN mit einem Wort beschreiben müsste, dann wär das "unvorhersehbar". Obwohl der Trailer schon ziemlich viel zu verraten scheint, stellt sich die Grundanlage einer verkorksten Vater-Tochter-Beziehung mit einem Vater, der sich als jemand anders ausgibt, als Vorwand für eine Betrachtung des Gesellschaftszustands und einige der komischsten Situationen, die ich in einer "ernsthaften" Komödie in letzter Zeit gesehen habe. Absurde Situationen, nicht Gags und Schenkelklopfer. Echte Komödie, nicht gespielte Witze. Wobei... Toni ist eigentlich ein gespielter Witz. Gewisserweise. TONI ERDMANN ist definitiv kein Film für Leute mit kurzer Aufmerksamkeitsspanne, dank seines organisch langsamen Rhythmus aber keine seiner 162 Minuten zu lang. Doch zurück zum Thema: TONI ERDMANN ist einer jener Filme, in denen eine Figur unerwarteterweise ein ganzes Lied singt, "live" vor der Kamera, also keine äussere Filmmusik wie im Musical, nur Musik innerhalb der Diegese (die natürlich wie beispielsweise die Klavierperformance in VICTORIA (2015) auch gut geschwindelt sein kann) und in diesem Fall wohl sogar der Gesang aus dem Moment, den wir sehen. Nun also genug der Spoiler, hingehen und staunen!

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Sandra Hüller sings in front of hand painted Romanian easter eggs.


Freitag, 22. Juli 2016

MINUSCULE (Giraud/Szabo, 2013): Evocative sound effects

MINUSCULE - LA VALLÉE DES FOURMIS PERDUES is a theatrical feature (cg characters in live action backgrounds) based on a French pre-school tv series (several five minute episodes) about bugs and ants. Since there is no dialogue, music and sound effects are even more important than in standard cg animated features. The forest from a ladybird's point of view becomes an enveloping and engaging aural environment with directional wordless "voices" even. The insects themselves sound like cogwheels, rubber balloons, whistles or Mad Max style motorcars. There is more than a faint echo of STAR WARS Ep. IV-VI. But apart from the occasional exaggerated thump (a common problem in movies relying on pratfalls) the sound design is enjoyably imaginative.

MINUSCULE - LA VALLÉE DES FOURMIS PERDUES ist ein Kinolangfilm (computergenerierte Figuren in realer Umgebung) zur gleichnamigen französischen Vorschulfernsehserie (Fünfminutenepisoden) über Käfer und Ameisen. Da es keine Dialoge gibt, sind Musik und Geräusche noch wichtiger als in den meisten gängigen Computeranimationsfilmen. Der Wald aus der Sicht eines Marienkäfers wird zu einer umspülenden und anregenden Geräuschkulisse, in der sogar die wortlosen "Stimmen" direktional erklingen. Die Insekten selbst klingen wie Zahnräder, Gummiballons, Trillerpfeifen oder madmaxartige Knatterautos. Das erinnert nicht selten an die originalen STAR WARS Episoden. Abgesehen von gelegentlich übertriebenen Aufschlaggeräuschen (ein typisches Problem vieler Filme, die von Stolper- und Absturzgags leben) ist das Sound Design jedoch erfreulich phantasievoll.

Bottom: the overrun houseflies sound like crashed cars.

Freitag, 15. Juli 2016

PANIC ROOM (Fincher, 2000): Endoscopic shots

Over the years, David Fincher's films have increasingly become riddled with impossible camera movements. One of his favorite devices seems to be what I call the "endoscopic shot" where the camera enters ever smaller spaces in a fast and long forward motion. After panning along a gas pipe in PANIC ROOM, the camera seamlessly slides inside it and assumes the position of the emergent gas.

Über die Jahre hat David Fincher seine Filme immer stärker mit unmöglichen Kamerabewegungen durchsetzt. Eines seiner Lieblingsstilmittel scheint jene Aufnahme zu sein, die ich "endoskopische Einstellung" nenne, weil die Kamera schnell und ungeschnitten in immer engere Räume vordringt. Nachdem die Kamera in PANIC ROOM einen Gasschlauch entlang gefahren ist, gleitet sie nahtlos in den Schlauch hinein und übernimmt den Blickwinkel des austretenden Gases.


Freitag, 8. Juli 2016

LADY SNOWBLOOD (Fujita, 1973): Stills montage

Much has been written about how closely Quentin Tarantino followed the structure and style of Fujita Toshiya's SHURAYUKI-HIME (LADY SNOWBLOOD) in KILL BILL (2003/4). The Japanese genre film feels a lot less refined despite - or because - there are quite a few more radical visual storytelling choices and ideas on display (silent film like editing patterns, for example). As a clear precursor to Tarantino's anime sequence, in LADY SNOWBLOOD several flashbacks are shown in a montage of still frames, some of them historic illustrations, some obviously manga, some sepia photographs.

Zu den stilistischen und dramaturgischen Parallelen von Fujitas SHURAYUKI-HIME (LADY SNOWBLOOD) und Tarantinos KILL BILL (2003/4) wurde schon viel geschrieben. Der japanische Genrefilm wirkt jedoch einiges ungeschliffener, obwohl - oder vielleicht gerade weil - er radikalere Erzählmuster und visuelle Ideen aufweist (zum Beispiel stummfilmartige Schnittfolgen). Als klare Vorläufer von Tarantinos Anime Sequenz erweisen sich mehrere Flashbacks, die in LADY SNOWBLOOD in einer Montage aus Standbildern (historische Illustrationen, Mangavorlagen, Photos) gezeigt werden.